Cuarteto Isbilya
Actúa
28/8
Formación
Miguel García violín / Daniel Ortíz viola / Leonel Contreras violonchelo / José María Perejón piano
El grupo
El Cuarteto Isbilya es una formación de música de cámara compuesta por violín, viola, violonchelo y piano. Natural de Sevilla y formado en el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo”, el grupo desarrolla una sólida trayectoria interpretativa basada en el compromiso con esta formación y en la difusión del repertorio camerístico. Actualmente amplían su formación en la Escuela Superior de Música Reina Sofía, en Madrid.
Desde sus inicios, el cuarteto ha mostrado una clara vocación por acercar la música de cámara a distintos públicos, actuando en espacios de relevancia como el Ateneo de Sevilla, el Real Círculo de Labradores y Propietarios, el Espacio Turina, el Teatro Juan Luis Galiardo de San Roque, así como en otros auditorios y centros culturales del ámbito nacional. Estas actuaciones reflejan su creciente proyección artística y su interés por ampliar horizontes.
Su labor ha sido reconocida con diversos galardones, entre los que destacan el Premio Platino en el Brahms International Online Music Competition 2025, el primer premio en el XVI Certamen Nacional de Música de Cámara del Festival Primavera-Albox 2024, y terceros premios en certámenes internacionales como los Virtuoso International Music Awards de Londres y World’s Best Musicians de Polonia, ambos en 2023.
Los integrantes del cuarteto trabajan en un entorno de cooperación y aprendizaje continuo, fomentando la escucha activa, la crítica constructiva y el intercambio de ideas. Este enfoque les permite profundizar en el estudio de las características estilísticas de cada periodo, abordando las obras desde perspectivas tanto historicistas como contemporáneas.
El Cuarteto Isbilya aspira a seguir consolidando su trayectoria, ampliando su presencia en escenarios y fortaleciendo colaboraciones con instituciones culturales y proyectos sociales, con el objetivo de acercar la música a todos los públicos posibles.
Programa
Bandas sonoras europeas del siglo XX
/ En torno al cine europeo
Memorias de África - Compositor: John Barry. Director: Sydney Pollack / 1985
La Vida es Bella - Compositor: Nicola Piovani. Director: Roberto Benigni / 1997
Cinema Paradiso - Compositor: Ennio Morricone. Director: Giuseppe Tornatore / 1988
Candilejas - Compositor y director: Charles Chaplin / 1952
Amarcord - Compositor: Nino Rota. Director: Federico Fellini / 1973
Lo que el viento se llevó - Compositor: Max Steiner. Director: Victor Fleming / 1939
El Padrino (The Godfather Love Theme) - Compositor: Nino Rota. Director: Francis Ford Coppola / 1972
Muerte en Venecia - Compositor: Gustav Mahler. Director: Luchino Visconti / 1971
La Dolce Vita - Compositor: Nino Rota. Director: Federico Fellini / 1960
Érase una vez en América - Compositor: Ennio Morricone. Director: Sergio Leone / 1984
La misión (Gabriel’s Oboe) - Compositor: Ennio Morricone. Director: Roland Joffé / 1986
El bueno, el feo y el malo - Compositor: Ennio Morricone. Director: Sergio Leone / 1966
Gladiator (Now we are free) - Compositor música: Hans Zimmer. Director: Ridley Scott / 2000
Sinopsis
Esta propuesta musical ofrece un recorrido por algunas de las bandas sonoras más emblemáticas del siglo XX, poniendo en valor el legado de los compositores europeos, cuya música ha definido la identidad sonora del cine. A través de una cuidada selección, el programa revela cómo la música trasciende su función acompañante para convertirse en un elemento narrativo esencial, capaz de emocionar, sugerir y contar historias por sí misma.
Desde la elegancia evocadora de Memorias de África y la sensibilidad de Candilejas, el concierto transita por universos sonoros que combinan lirismo, nostalgia y dramatismo. La colaboración entre Nino Rota y Federico Fellini se manifiesta en La Dolce Vita y Amarcord, donde se despliega una estética única marcada por la ironía y la melancolía, mientras que su célebre tema para El Padrino intensifica la dimensión emocional del cine.
La fuerza expresiva de Ennio Morricone se hace presente en El bueno, el feo y el malo, Érase una vez en América, La misión y Cinema Paradiso, ejemplos de una escritura musical que redefine el lenguaje cinematográfico. El programa se enriquece con referencias a la tradición clásica en Muerte en Venecia y se completa con títulos de proyección internacional como Gladiator y La vida es bella, aportando una dimensión profundamente humana y conmovedora. En conjunto, el concierto celebra la creatividad de compositores cuya música sigue marcando generaciones.
Notas al programa
La música de cine ha sido, desde los orígenes del séptimo arte, un vehículo privilegiado para amplificar la emoción, perfilar personajes y fijar en la memoria colectiva escenas inolvidables. El presente programa se centra en bandas sonoras del siglo XX creadas por compositores europeos, ofreciendo un recorrido por algunas de las páginas más emblemáticas de la historia del cine, en las que tradición sinfónica, identidad cultural y lenguaje cinematográfico se entrelazan de forma magistral.
Memorias de África (1985), con música de John Barry, despliega un lirismo expansivo y nostálgico que evoca la inmensidad del paisaje africano y la intensidad de una historia de amor marcada por la pérdida. La partitura, de gran aliento melódico, se ha convertido en un paradigma del romanticismo cinematográfico moderno.
La vida es bella (1997), con partitura de Nicola Piovani, equilibra ternura y tragedia mediante un lenguaje musical sencillo pero profundamente emotivo, en perfecta sintonía con el tono agridulce del film.
La música de Ennio Morricone para Cinema Paradiso (1988) es un homenaje al propio cine: íntima, evocadora y cargada de nostalgia, acompaña la historia de un amor por la gran pantalla que atraviesa generaciones. Del mismo modo, su trabajo en Érase una vez en América (1984) combina lirismo y dramatismo para retratar el paso del tiempo y la memoria.
En Candilejas (1952), Charles Chaplin demuestra su talento integral no solo como cineasta, sino también como compositor. Su célebre tema principal, profundamente melancólico, refleja la fragilidad del artista y la fugacidad de la fama.
El universo sonoro de Nino Rota aparece en varias obras del programa. En Amarcord (1973) y La dolce vita (1960), su música captura el carácter onírico, festivo y a la vez melancólico del cine de Federico Fellini, mientras que en El padrino (1972), dirigido por Francis Ford Coppola, su célebre tema de amor se convierte en símbolo de la tragedia y el destino inexorable.
La gran tradición sinfónica de Hollywood está representada por Lo que el viento se llevó (1939), cuya partitura de Max Steiner marcó un antes y un después en la historia de la música cinematográfica por su riqueza temática y su capacidad narrativa.
En Muerte en Venecia (1971), la música de Gustav Mahler —especialmente el Adagietto de su Quinta Sinfonía— adquiere un protagonismo esencial, subrayando la belleza, la decadencia y la obsesión que atraviesan la obra dirigida por Luchino Visconti.
La espiritualidad alcanza su máxima expresión en La misión (1986), donde Morricone fusiona elementos sacros, indígenas y orquestales en la inolvidable “Gabriel’s Oboe”, una de las páginas más conmovedoras del repertorio cinematográfico.
El western encuentra su identidad sonora en El bueno, el feo y el malo (1966), nuevamente con Morricone, quien rompe moldes con una escritura innovadora, llena de efectos vocales, silbidos y timbres insólitos que redefinieron el género.
Finalmente, Gladiator (2000), con música de Hans Zimmer, cierra el programa con “Now We Are Free”, una pieza de gran fuerza emocional que combina sonoridades épicas con una voz etérea, evocando la trascendencia y la redención.
Este recorrido pone de manifiesto la extraordinaria diversidad estilística y expresiva de la música de cine europea del siglo XX, así como su capacidad para emocionar y perdurar más allá de las imágenes que la inspiraron.
Músicos
Miguel García Aguilar / Nace en Sevilla. Emprende sus estudios musicales en el Conservatorio Elemental de Música “Andrés Segovia” (Dos Hermanas) en la especialidad de violín. En 2015, continúa con sus estudios en el Conservatorio Profesional de Música “Francisco Guerrero” bajo la tutela de profesores como Anca Bitan, Raquel Batalloso, María Magdalena Moya y en la Fundación Barenboim con Luis Miguel Díaz. Durante su formación también ha sido parte de muchas orquestas como la Orquesta Joven de Andalucía, Joven Orquesta Barroca de Andalucía, Fundación Barenboim y siendo concertino de la ROSS Joven, Orquesta Filarmonía de Sevilla y Joven Orquesta Barroca de Sevilla, actualmente academista de la Orquesta Barroca de Sevilla. Licenciado en Estudios Superiores de Música (Violín) en el Conservatorio “Manuel Castillo” de Sevilla, bajo la tutela del catedrático de violín barroco Valentín Sánchez Venzalá y del catedrático de violín, Alejandro Bustamante Mejías.
Daniel Ortiz Seco / Nacido en Córdoba, comenzó sus estudios de viola con 8 años en el Conservatorio Profesional de Música de Córdoba “Músico Ziryab”, en el cuál acabó el grado profesional con su máxima calificación, pasando por las manos de Marta Sampere y Juan Ayuso. Es miembro de la Orquesta Joven de Córdoba desde su mínima edad para acceder (OJC), Orquesta Joven Mediterránea (JOM), y desde 2022 miembro de la Camerata Antonio Gala, colaborando a su vez con la Orquesta Joven Filarmónica de Granada, Orquesta de Córdoba y escuela de estudios orquestales Baremboim-Said. Además, ganador del segundo premio en viola, en el concurso internacional “World´s Best Musicians” de Polonia y finalista en “Brahms International Music Competition” en Gdansk. Ha recibido clases magistrales con grandes intérpretes internacionales como: Michael Tomas, Laure Gaudron, Anna Puig, Borja Quintas, Uxia Martínez, Miguel Romea, Carlos Domínguez Nieto, Alejandro Muñoz, Jose Manuel Navarro, José María Ferrer, Juan Carlos Navarro, etc. Licenciado en Estudios Superiores de Música (Viola) en el Conservatorio “Manuel Castillo” de Sevilla, bajo la tutela de Sonia Martín Reyes.
Leonel Contreras Ruiz / Nacido en Sevilla, empieza con sus estudios musicales en el Conservatorio Elemental de Música “Andrés Segovia” (Dos Hermanas) en la especialidad de violonchelo. En 2014, continúa con sus estudios en el Conservatorio Profesional de Música “Músico Ziryab” de Córdoba, donde acaba su último año del grado elemental y empieza el grado profesional que finaliza en 2021, con profesores como Gustavo Canet, Manuel Pérez o Marta Sampere. Durante su formación ha participado en la Joven Orquesta del Conservatorio “Músico Ziryab” y Orquesta Barroca del Conservatorio Profesional de Córdoba, entre otras. También ha recibido clases de músicos como Michael Thomas y Markku Luolajan-Mikkola. Licenciado en Estudios Superiores de Música (Violonchelo) en el Conservatorio “Manuel Castillo” de Sevilla, bajo la tutela del catedrático Aldo Mata.
José María Perejón Bonet / Nacido en Cádiz, comienza sus estudios musicales en el Conservatorio Elemental de Música “Ruiz Casaux” de San Fernando (Cádiz) en la especialidad de piano, desde 2010 a 2014. Seguidamente, continúa sus estudios en el Conservatorio Profesional de Música “Manuel de Falla” de Cádiz, finalizándolos en 2020 con máximas calificaciones. A su vez, ha recibido clases magistrales de grandes intérpretes como Patrin García-Barredo, Ángel Sanzo, Graham Jackson, Julio Moguer, Patricia Arauzo, Benedicte Palko, Juan Lago, Carmen Deleito, Ana Guijarro, Míriam Gómez-Morán, Luis Fernando Pérez, Ilona Timchenko, Natalia Kuchaeva, Stefano Mancuso, Benedetto Boccuzzi, Kennedy Moretti, Aldo Mata, etc. En varias ocasiones, ha realizado el curso de “Mar a Mar” en La Línea de la Concepción. Por otro lado ha participado en la Joven Orquesta de la ROSS de Sevilla, Orquesta Sinfónica Loyola, Orquesta Sinfónica Hispalense y OSC tanto en la modalidad de orquesta de cuerdas como de vientos. Licenciado en Estudios Superiores de Música (Piano) en el Conservatorio “Manuel Castillo” de Sevilla, bajo la tutela del catedrático Ángel Cabrera Alguacil.
Prensa
“Cabe afirmar que hubo claros aciertos y motivos de satisfacción en este nuevo relevo de los conjuntos que operan en la ciudad.(...) Cuando Turina compuso su Cuarteto para piano, violín, viola y violonchelo, se encontraba en una etapa en la que primaba la sencillez y la concisión, sin abandonar esa atención a la unidad formal y al procedimiento cíclico tan querido en su producción, así como la habitual presencia de expresión españolista, a todo lo cual se ciñeron con gracia y talento los integrantes del Isbilya. (...) Los pasajes de conjunto, donde los cuatro se mostraron compenetrados, resueltos y seguros, logrando que la pieza adquiriera esa tensión dramática y ese contrapunto creciente que demanda, hasta alcanzar un fortissimo clímax conclusivo (...) En contraste, el andante manifestó dulzura y ternura, con un muy adecuado componente melancólico, y el allegro final estuvo henchido de vitalidad, con los intérpretes siempre atentos a esa rara combinación de drama y alegría que informa la pieza” / El Correo de Andalucía:
“Sin alargarse en los finales de las frases y con un piano de articulación clara y un fraseo muy moderado en el rubato.” / Diario de Sevilla
“El cuarteto ha recibido el Tercer Premio en los concursos internacionales Virtuoso International Music Awards de Londres 2023 y en el World ?s Best Musicians de Polonia 2023. Además ha participado en la primera Generación de Jóvenes Promesas Musicales de Andalucía del Festival Ándalmus.” / ABC
“El Cuarteto Isbilya ofreció “De Mozart a Turina”, integrado por piezas de ambos compositores. Formado en el Conservatorio de Sevilla, se trata de un cuarteto integrado por un pianista y tres músicos de instrumentos de cuerda. A modo de manifiesto, reivindicaron la belleza de las partituras dedicadas a este tipo de formación, y más que con las palabras lo demostraron con su gran calidad sobre las tablas del Juan Luis Galiardo.” / Diario Área